Ist die Reproduzierbarkeit der Kunst eine Eroberung der Demokratie oder das Ende der Einzigartigkeit?

Zwischen 1935 und 1939 versuchte sich Walter Benjamin – deutscher Philosoph, Schriftsteller, Literatur- und Theaterkritiker, Soziologe, Erkenntnistheoretiker – an mehreren Entwürfen des Essays Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit . Die letzte Fassung von 1939 erschien posthum erst 1955. Die erste italienische Übersetzung erschien 1966 im Verlag Einaudi. Durch diverse Überarbeitungen und Ergänzungen des Autors selbst, aber auch durch unbefugte redaktionelle Kürzungen und willkürliche Manipulationen wurde der Aufsatz tatsächlich ab den 1960er Jahren von der Kritik neu überdacht und in der Zeit der Studentenproteste sogar zu einem zitierten und studierten Text an Universitäten.

Nach und nach gewann es jedoch seine zentrale Bedeutung in der orthodoxen soziologischen und künstlerischen Kultur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, bis es zu einem Klassiker in der Untersuchung, Analyse und Bewertung der Massenkultur wurde, ausgehend von einem bestimmten Betrachtungsprofil, das darüber hinaus zusammengefasst wird im Titel seines Werkes, das – das sollte präzisiert werden – nicht nur eine negative Kritik an der sogenannten "Massenkunst" zum Ausdruck bringt, sondern auch ihre positiven Aspekte und kulturellen Potentiale erfassen will, die uns heute in vollem Umfang zur Verfügung stehen ihren Popularisierungswert.

Bedenkt man die Epoche, in der Benjamin seine Arbeit der kritischen Revision des Kunstbegriffs an der Schwelle zur Moderne begann, können wir diesen Aufsatz ohne konzeptionellen und erkenntnistheoretischen Zwang eher als eines der ersten – vielleicht sogar allerersten – Kompendien intuitiver Interpretation betrachten Methodik eines Ausgangsphänomens der Spannung zur Globalisierung, ausgehend gerade von der künstlerischen Matrix der Analyse in ihrer weitreichenden Bedeutung der „Massenverwirklichung“ und der „erweiterten Verbreitung des in anderen Zeitabschnitten der Geschichte entstandenen Kunstwerks.

Bereits im ersten Absatz – um gleich in medias res einzusteigen – hebt Benjamin hervor, wie das Kunstwerk – von seinem Wesen her stark identifiziert und kontextualisiert in seinem Urheber und in einer Epoche bis hin zu seiner unverwechselbaren Charakterisierung – immer reproduzierbar war und reproduziert, für Studium, Leidenschaft oder Arbeit, durch Verfahren wie Xylographie und andere grafische Techniken, aber diese Formen der Reproduktion waren in jedem Fall handwerkliche Verfahren mit begrenzten Dimensionen, verbunden mit einer rein manuellen Produktion, mit begrenzten Zeiten und Methoden von Quantität und Fähigkeit des Vervielfältigers. Der Druck – und wir befinden uns dank Johannes Gutenberg im Jahr 1455, auch wenn ein ähnliches System bereits 1041 von Bi Sheng in Asien erfunden wurde – war das erste mechanische Reproduktionsverfahren, das die schriftliche Produktion und ihre Verwendungsformen tiefgreifend veränderte.

Auf die gleiche Weise und im gleichen Rhythmus hat die Lithographie eine Reproduktion und eine kommerzielle Verbreitung ermöglicht, die in der Lage ist, sogar die Bilder und Szenen des Alltags zu reproduzieren und die Beziehung zwischen dem traditionell erhabenen Kunstobjekt und dem Leben neu zu konfigurieren. Diese Techniken waren jedoch noch mit den Wegen und Zeiten des handwerklichen Könnens verbunden: Fotografie und Filmaufnahmen, abhängig vom Sehsinn, haben eine weitere Beschleunigung gegeben und die Geschwindigkeit des "Hier und Jetzt" erreicht, die in der Antike eine war dem Kunstwerk innewohnendes Privileg in seiner derzeit unwiederholbaren Einzigartigkeit: der Standbildbegriff (heute z. B. in Wissenschaft, Sport, Kriminologie) abgeleitet von der Platte, auf der die Fixierung einer Aufnahme in Echtzeit eingeprägt war. Doch die technischen Möglichkeiten der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts betrafen nicht nur die künstlerische Produktions- und Reproduktionsfähigkeit, sondern veränderten auch den Kunstgenuss der Öffentlichkeit.

Benjamins Intuition bestand daher darin, aufzuzeigen, wie die Entwicklung von Wissenschaft und Technik den Zugang einer immer größer werdenden Zielgruppe zum ästhetischen Genuss des Kunstwerks in verschiedenen Aspekten beeinflussen könnte, unabhängig von der Epoche und dem Ort seiner Entstehung: dies könnte in exponentiell zunehmender Weise für Geschwindigkeit und Differenzierung geschehen, dank gerade der Entwicklung der technischen Mittel, die seine Verwirklichung ermöglichten.

Entscheidende Intuition als Wendepunkt in der Beziehung zwischen dem Kunstwerk an sich, historisch fixiert, einzigartig und unwiederholbar und den Modalitäten seiner potentiellen Verwendbarkeit, die in äußerster Synthese das Verhältnis von Kunst und Begabung des Autors einerseits und der Begabung des Autors andererseits betrifft Betrachter auf der anderen Seite. Authentizität verstanden als Einzigartigkeit und Unwiederholbarkeit des Kunstwerks, von seiner Existenz bis zum Akt seiner Herstellung, prägte bis dahin sogar den Begriff der Fälschung im Hinblick auf jeden Versuch seiner Reproduktion.

Allerdings – und daran bemisst sich das innovative Potenzial von Walter Benjamins Intuition – könnte das Aufkommen neuer Reproduktionstechniken bereits in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts dazu beitragen, die bisher auf die Massenproduktion beschränkte Gebrauchsfähigkeit des Kunstwerks zu verbreiten hic et nunc seiner Entstehung: Darin hat der deutsche Soziologe – völlig zu Recht – vorausschauend die Themen der Demokratie als einer sozialen Methode antizipiert, die den weitestgehenden Zugang zur Singularität eines Objekts oder eines Ereignisses erlaubt und es leicht vorstellbar ist, wie dies geschieht Konzept hat die Vorstellung von Usability radikal verändert.

Einst ein Privileg einiger weniger, dann durch Presse, Museen, Aufnahme in Studienprogramme ein immer populärer werdendes Phänomen. Benjamin war der Erste, der das Ausmaß dieses Phänomens erfasste und erkannte, wie die Einführung neuer Technologien, die darauf abzielen, Kunst zu produzieren, zu reproduzieren und zu verbreiten, ihre kreative Originalität, Genialität, Einzigartigkeit, sogar ihren ewigen Wert und ihre Alea of ​​Mysterium, die sie umgibt, bedingen könnte . Bis zum Verlust dessen, was Benjamin als seine „Aura“ bezeichnet, verstanden als Individualität und Einzigartigkeit des ursprünglichen Kunstwerks: Von einem einmaligen und unwiederholbaren Ereignis wird es durch die Vielzahl der Reproduktionen transformiert.

Stellen Sie sich das Kino einfach als eine Urform künstlerischer Massenentfaltung vor: Der Zuschauer wird durch das Publikum ersetzt und das ästhetische Ereignis wird zum Konsum. Um dann den Einfluss von Medien und sozialen Netzwerken in der heutigen Zeit zu betrachten, vom Fernsehen bis zum Web, von der Technik über die Technologie bis hin zur Digitalisierung, die jetzt als notwendiges Kommunikationsmodell hervorgehoben wird.

In Benjamins immer noch aktueller Argumentation betont die Reproduzierbarkeit des Kunstwerks durch immer ausgefeiltere und weiterentwickelte Methoden das Übergewicht der Repräsentation und des ästhetisch-ausstellenden Gebrauchs in Bezug auf den ursprünglichen Geist der künstlerischen Geste, der im Wesentlichen ein kultureller Wert ist. fast von Identifikation und inniger Hingabe.

Darin besteht die „Aura“, die schwindet: Die umfassende Verbreitung des Kunstwerks bei gleichzeitiger Demokratisierung der Kultur endet mit dem Verlust dieser ursprünglichen Verbindung, die den Künstler mit seiner Produktion verband, bis hin zur Identifizierung der Einzigartigkeit – Authentizität, die es in der Praxis sein wird niemals reproduzierbar sein.

Die Entwicklung der Technik und die Bildung von Massenunternehmen bis hin zur Globalisierung kann ein Verblassen traditioneller Kunst durch den Verlust der Aura und authentischen Originalität erzeugen.

Die Kommunikation und Kultur der sozialen Medien und der Medien haben nach und nach das ersetzt, was durch Erfahrung und Kompetenz vermittelt wird, und verloren Originalität und Subjektivität.

Globalisierung ist auch diese Einebnung, in der wir – wie De Rita sagt – verstreutes Konfetti und Nutzer eines auferlegten Wissens sind, das hauptsächlich aus Klischees und woanders gedachten Gedanken besteht.

Wir isolieren uns dann und schreiben, lesen, spielen, produzieren für uns selbst, trotz des Bewusstseins, dass die Verbreitung eines Textes, eines Essays, einer Partitur mit kommerziellen Implikationen verbunden ist: Technologie verbessert nicht immer die Qualität des Produkts , as seine Empfänglichkeit auf dem globalen Markt.

Ästhetik wird Mode, indem sie nicht rein künstlerische Kriterien auferlegt, der Endempfänger ist nicht der Betrachter der Schönheit, sondern der Nutzer des vorherrschenden Trends: Es gibt immer weniger Künstler im klassischen Sinne, die in der Lage sind, ein einzigartiges Produkt herzustellen, und immer mehr Influencer als Multiplikatoren von Aktionen und Massenprodukten.

Es gibt viel Frustration unter denen, die versuchen, etwas Persönliches zu produzieren: Die auf Kunst angewandte Demokratie erfasst nicht immer Originalität und Talent, im Allgemeinen ist Genie ein posthum anerkannter Wert, durch Vervielfältigung und Reproduktion tritt die Homologation an die Stelle des Originals .

Aber ich glaube, dass die unveröffentlichten Werke dieser unveröffentlichten Autoren nach und nach wieder auftauchen, zum Geschmack und Vergnügen derer, die sie wiederentdecken und verbessern.

Heute leben wir in einer Art Mediencasting, in dem es viele Komparsen und wenige bekannte Spitzenleistungen gibt.

Ich frage mich auch oft, warum ein Caravaggio, ein Mozart, ein Leopardi, um den Rest zu lassen, heute weg sind: Die Zeit der von Zeit und Raum befreiten Universalgenies scheint vorbei zu sein.

Es gibt wenige Autoren und viele Übersetzer von Übersetzern: und vielleicht könnte Benjamin selbst von einem nachträglichen Gedanken überrascht werden, wenn er die Reproduzierbarkeit des Kunstwerks als eine Eroberung der Demokratie betrachtet.

Die Möglichkeit, ein Bild, ein Bild eines Musikstücks dank der Technik zu genießen, die seine Verbreitung erleichtert, hat uns vielleicht von dem Geschmack entfernt, etwas wirklich Originelles zu produzieren.

Wie mir Pupi Avati eines Tages sagte, muss man in der Lage sein, zwischen Leidenschaft (die vom Willen abhängt) und Talent zu unterscheiden, das DNA, Inspiration, intrinsisches Genie ist: eine angeborene Gabe, um es klar auszudrücken.

Vielleicht wird die Kunst zu einem fruchtbaren Boden, um viele Illusionen zu kultivieren.

Rückblickend, beim Lesen eines Autorentextes, beim Hören eines Klassikers oder beim Besuch eines Museums scheint es zu verstehen, dass sich künstlerische Schönheit – als unwiederholbare expressive Unmittelbarkeit, wenn auch sicher unendlich reproduzierbar – seit einiger Zeit immer mehr der Vergangenheit zuwendet.